Ciclo INcierto en el Espacio TBK - Teatro Buster Keaton

(Buenos Aires)

En el EspacioTBK / Teatro Buster Keaton se presenta a los ganadores del Concurso de Dramaturgia 2018 para la realización del cicloINcierto 6ta. edición y la realización del 19 al 22 de diciembre
del ciclo en formato Semimontado en el Espacio TBK – Trelles 2033 con entrada libre y gratuita.

cicloINcierto 2018

obras ganadoras del Concurso de Dramaturgia cuyo jurado estuvo formado por Camila Fabbri, Nayla Pose y Andrés Rapoport

Existe, Lucas Sánchez
Posible sonido de nieve cayendo, de Julio Molina
El deseo del mar , Lucila Rubinstein
La pregunta, Federico Morán
La gracia perdida, Gabriela Romeo

Se presentaron 102 textos al Concurso de Dramaturgia. Se seleccionaron 5 titulares y 6 suplentes.
cicloINcierto 2018 es la 6ta edición del ciclo, y se va a editar el 4to libro con prólogos de Alejandro Tantanian, Ricardo Monti, Alejandro Mateo, Mariano Saba y Nayla Pose

cicloINcierto 2018 consta de cuatro etapas:

1.Concurso de Dramaturgia, realizado entre los meses de Agosto y Septiembre de 2018
2.Presentación de las obras en formato semimontado, a realizarse entre el 19 y el 22 de Diciembre de 2018 a las 20 horas
3,Publicación de un libro con las obras seleccionadas, a realizarse el 22 de Diciembre a las 13 horas
4.Montaje y puesta en escena de las obras, a estrenarse a partir de Abril de 2019

Funciones desde las 20 horas
Los días 19, 20, 21 y 22 de diciembre
Entrada libre y gratuita
Espacio TBK / Teatro Buster Keaton
Trelles 2033 - C1416BRS CABA - Tel: 4586-2971
espaciotbk@gmail.com

Prensa Duche&Zárate

Walter Duche – Alejandro Zarate
prensa@duchezarate.com.ar /www.duchezarate.com.ar

Irupé Sesoí la diva de la epistemología

(Buenos Aires)

Irupé Sesoí la diva de la epistemología, es un personaje de José María Gómez Samela,
quien escribió la obra y también lo interpreta.
Con el acompañamiento de un músico, Irupé cuenta su vida al público, desde su niñez en
un pueblo de una provincia donde ya se destacaba como una niña insumisa, su adolescencia,
las dificultades que enfrentó para estudiar e ingresar en la universidad hasta llegar a graduarse
como socióloga, y hasta su madurez. Con alusiones a las lecturas de filósofos y sociólogos
como Sartre, Michel Foucault, Pierre Bordieu, entre otros, el personaje cuenta cómo se fue construyendo.
Irupé parece no dejar obstáculo o drama en la oscuridad: el fracaso de su matrimonio, la
hija,  la universidad que primero le otorga una cátedra y después la margina. La vida amorosa
y familiar de Irupé está atravesada por la violencia y los abusos.
A pesar de todos los golpes que recibió en su vida, Irupé logra salir adelante, está armada
con recursos intelectuales y culturales que la protegen y con esa armadura los enfrenta.
Hay que destacar el gran trabajo actoral de José María Gómez Samela y también el acompa-
ñamiento musical de Rodolfo Lema.

José María Gómez Samela 

Malena Bernardi

Con

José María Gómez Samela

Rodolfo Fito Lema

Dirección

Malena Bernardi



FICHA TÉCNICA

Dramaturgo y Actor: José María Gómez Samela

Música Original: Rodolfo Lema

Iluminación: Marcelo Fernández

Escenografía: Lola Gullo

Vestuario: Julieta Iribe

Fotografía: Pablo Gómez Samela

Diseño Gráfico: José María Barrios Hermosa

Prensa: Duche & Zarate

Tráiler: Charlie Bulsara

Logística: Erin Prilick y Nahuel Iair Vazquéz

Asistente de Dirección: Fernando Martínez

Producción Ejecutiva: José María Barrios Hermosa

Dirección: Malena Bernardi



Agradecimientos: Buenas Artes Social Club (Silvia Kanter y Daniel Dagna), Sebastián Kirszner, Diego Salomone (SAGAI), Grupo Tertulia, Ricardo Dubatti, Alejandra de Luna, Natalia Paganini, Carlos y Ramonita Gómez Samela, Marina Schifrin, Paula Amarilla, Sandra Silveyra, Marcela Baigros, Cecilia Labourt, Erin Prilick.



Funciones: Miércoles a las 20.30



Reservas: 15-5123-2030

Web de reservas: www.lapausateatral.com.ar o alternativateatral.com

(La Pausa) Teatral – Av. Corrientes 4521 – CABA



Prensa Duche&Zárate

Walter Duche – Alejandro Zárate


prensa@duchezarate.com.ar /www.duchezarate.com.ar
Twitter: @duchezarate y en Facebook: duchezarate

Instagram: duchezarate

José María Gómez Samela  es Licenciado en Comunicación Social, actor, dramaturgo, director de teatro y docente. Escuela de Teatro de Buenos Aires (ETBA). Actualmente cursa la Diplomatura en Dramaturgia de la UBA. Inicia su camino teatral en 1996, formándose en distintas áreas de la actividad teatral como de artes vinculares.Algunos de los maestros con los que se formó son: Javier Daulte, Eugenio Barba, Eduardo Gilio, Paco Giménez, Pablo Bontá, Guillermo Angelelli, Román Podolsky, Rubén Szuchmacher, Mónica Bruni, Nora Moseinco, Raúl Serrano, Mauricio Kartún, Ignacio Apolo, Manuel Vicente, Guillermo Cacace, entre otros. Integró varios grupos como Alcriva, La Trastienda, Taller de Teatro Del Guarán, Grupo Teatral El Mariscal, Entrelíneas, Concertados y como actor invitado en El Aleph. Es cofundador y fue director del grupo de teatro Ambaí con 18 años de trayectoria en Corrientes. En el año 2007
recibió el Premio Corrientes como actor y director. Es autor de: Blanco Peluche Desborde (2017), La Enfermedad del amor (2017), Manas (2017), Proyecto Caracol (2008), En Proceso sin puntos ni comillas (2006). Algunas de las obras en las que trabajó son: Boca Sucia (2001/2002), EL-ELLA (2003), Óbito (2004/2006), Juego Secreto (2005/2006), En Proceso sin Puntos ni Comillas” (2006/07), L´ Acqua e Finita (2007/08), Proyecto Caracol (2008),“Dos pies en dos pies (2009/10), La Isla Desierta (2010), Teatros Abiertos (2010), El Gigante de Amapolas…”(2010/12), A la medra Ubú Rey (2010), Acción sin preguntas (2011), Diversos Clowns (2012), Las de Barranco (2012), Sueño de una noche de Verano (2012), El Grito del Silencio (2011/13), Dios Juega a la Ruleta Rusa (2013), Barro (2014), Salón Skeffington (2015), La piel del Poema (2015), Un Punto en el Espacio (2016), Las Tres Hermanas (2017). Se inicia en la docencia teatral en el 2005. Ha dictado durante 9 años los talleres anuales para adultos del grupo de teatro Ambaí. También ha dado clases, charlas, conferencias, ponencias, disertaciones, desmontajes, seminarios, laboratorios, talleres para niños, adolescentes y adultos en distintos espacios de Corrientes, Chaco, Misiones y Buenos Aires. Fue docente Seleccionado para elPlan de Promotores Culturales de la Secretaría de Cultura de la Nación, para dictar talleres y asistencias técnicas (2008). Docente seleccionado para el programa de Actividades Socio-preventivas de PAMI para dictar talleres (2010/12). Docente seleccionado por el Ministerio de Desarrollo Social de la Nación para dictar talleres de teatro (2012/13). Actualmente dicta seminarios y talleres en estudios privados y en Centros culturales, dependiente del Ministerio de Cultura de la ciudad de Buenos Aires.

 Malena Bernardi es actriz y bailarina. Licenciada en Composición Coreográfica con mención en Danza (Universidad Nacional de las Artes). Se formó actoralmente con Alejandro Catalán, Ricardo Bartís, Silvia Kanter, Daniel Dagna, Raúl Serrano, Hugo Midón. Licenciatura en Artes Dramáticas de la U.N.A y Timbre 4. En dramaturgia, realizó el taller de Mauricio Kartun, y permaneció dos años en el mismo en los talleres de escritura práctica con Ignacio Apolo. En danza y composición se formó con: Liliana Belfiore, Ana Valeria Guerra, Edgardo Mercado, Rodolfo Prantte, Lucía Lacabana, Liliana Tocaccelli, Gabriela Prado, Lidia Caggiano, Stella Saladino, Silvia Panal, Roxana Grinstein, Gerardo Litvak, Alfredo Gurkel, Fabiana Capriotti, Manuel Vallejos y Cecilia Gutterman. Actualmente desarrolla una búsqueda teórica y práctica, iniciada en la Tesina de Graduación de la UNA, que reúne la danza, la composición coreográfica, la dramaturgia y la actuación. El campo de investigación es el Dramaturgismo y la Dramaturgia de escena. Trabaja como actriz y coreógrafa, y como dicta clases en dos instituciones.

Irupé Sesoí la diva de la Epistemología

(Buenos Aires)

José María Gómez Samela

Malena Bernardi

A través de una entrevista, vemos a Irupé en su propio set. Una intelectual que narra la búsqueda de libertad como mujer, dentro de un contexto que le puso obstáculos. Sus elecciones personales, sus deseos, las consecuencias sociales y familiares, constituyen una vida, que en la escena se hace presente con afirmaciones y anécdotas sobre sexualidad, violencia e intelectualidad, llevándonos de viaje hacia una gran catarsis.

Componen la escena y el proceso afectivo, un actor y un músico que se complementan para el relato.



Con

José María Gómez Samela

Rodolfo Fito Lema

Dirección

Malena Bernardi



FICHA TÉCNICA

Dramaturgo y Actor: José María Gómez Samela

Música Original: Rodolfo Lema

Iluminación: Marcelo Fernández

Escenografía: Lola Gullo

Vestuario: Julieta Iribe

Fotografía: Pablo Gómez Samela

Diseño Gráfico: José María Barrios Hermosa

Prensa: Duche & Zarate

Tráiler: Charlie Bulsara

Logística: Erin Prilick y Nahuel Iair Vazquéz

Asistente de Dirección: Fernando Martínez

Producción Ejecutiva: José María Barrios Hermosa

Dirección: Malena Bernardi



Agradecimientos: Buenas Artes Social Club (Silvia Kanter y Daniel Dagna), Sebastián Kirszner, Diego Salomone (SAGAI), Grupo Tertulia, Ricardo Dubatti, Alejandra de Luna, Natalia Paganini, Carlos y Ramonita Gómez Samela, Marina Schifrin, Paula Amarilla, Sandra Silveyra, Marcela Baigros, Cecilia Labourt, Erin Prilick.



Funciones: Miércoles a las 20.30



Reservas: 15-5123-2030

Web de reservas: www.lapausateatral.com.ar o alternativateatral.com

(La Pausa) Teatral – Av. Corrientes 4521 – CABA



Prensa Duche&Zárate

Walter Duche – Alejandro Zárate


prensa@duchezarate.com.ar /www.duchezarate.com.ar
Twitter: @duchezarate y en Facebook: duchezarate

Instagram: duchezarate

José María Gómez Samela  es Licenciado en Comunicación Social, actor, dramaturgo, director de teatro y docente. Escuela de Teatro de Buenos Aires (ETBA). Actualmente cursa la Diplomatura en Dramaturgia de la UBA. Inicia su camino teatral en 1996, formándose en distintas áreas de la actividad teatral como de artes vinculares.Algunos de los maestros con los que se formó son: Javier Daulte, Eugenio Barba, Eduardo Gilio, Paco Giménez, Pablo Bontá, Guillermo Angelelli, Román Podolsky, Rubén Szuchmacher, Mónica Bruni, Nora Moseinco, Raúl Serrano, Mauricio Kartún, Ignacio Apolo, Manuel Vicente, Guillermo Cacace, entre otros. Integró varios grupos como Alcriva, La Trastienda, Taller de Teatro Del Guarán, Grupo Teatral El Mariscal, Entrelíneas, Concertados y como actor invitado en El Aleph. Es cofundador y fue director del grupo de teatro Ambaí con 18 años de trayectoria en Corrientes. En el año 2007
recibió el Premio Corrientes como actor y director. Es autor de: Blanco Peluche Desborde (2017), La Enfermedad del amor (2017), Manas (2017), Proyecto Caracol (2008), En Proceso sin puntos ni comillas (2006). Algunas de las obras en las que trabajó son: Boca Sucia (2001/2002), EL-ELLA (2003), Óbito (2004/2006), Juego Secreto (2005/2006), En Proceso sin Puntos ni Comillas” (2006/07), L´ Acqua e Finita (2007/08), Proyecto Caracol (2008),“Dos pies en dos pies (2009/10), La Isla Desierta (2010), Teatros Abiertos (2010), El Gigante de Amapolas…”(2010/12), A la medra Ubú Rey (2010), Acción sin preguntas (2011), Diversos Clowns (2012), Las de Barranco (2012), Sueño de una noche de Verano (2012), El Grito del Silencio (2011/13), Dios Juega a la Ruleta Rusa (2013), Barro (2014), Salón Skeffington (2015), La piel del Poema (2015), Un Punto en el Espacio (2016), Las Tres Hermanas (2017). Se inicia en la docencia teatral en el 2005. Ha dictado durante 9 años los talleres anuales para adultos del grupo de teatro Ambaí. También ha dado clases, charlas, conferencias, ponencias, disertaciones, desmontajes, seminarios, laboratorios, talleres para niños, adolescentes y adultos en distintos espacios de Corrientes, Chaco, Misiones y Buenos Aires. Fue docente Seleccionado para elPlan de Promotores Culturales de la Secretaría de Cultura de la Nación, para dictar talleres y asistencias técnicas (2008). Docente seleccionado para el programa de Actividades Socio-preventivas de PAMI para dictar talleres (2010/12). Docente seleccionado por el Ministerio de Desarrollo Social de la Nación para dictar talleres de teatro (2012/13). Actualmente dicta seminarios y talleres en estudios privados y en Centros culturales, dependiente del Ministerio de Cultura de la ciudad de Buenos Aires.

 Malena Bernardi es actriz y bailarina. Licenciada en Composición Coreográfica con mención en Danza (Universidad Nacional de las Artes). Se formó actoralmente con Alejandro Catalán, Ricardo Bartís, Silvia Kanter, Daniel Dagna, Raúl Serrano, Hugo Midón. Licenciatura en Artes Dramáticas de la U.N.A y Timbre 4. En dramaturgia, realizó el taller de Mauricio Kartun, y permaneció dos años en el mismo en los talleres de escritura práctica con Ignacio Apolo. En danza y composición se formó con: Liliana Belfiore, Ana Valeria Guerra, Edgardo Mercado, Rodolfo Prantte, Lucía Lacabana, Liliana Tocaccelli, Gabriela Prado, Lidia Caggiano, Stella Saladino, Silvia Panal, Roxana Grinstein, Gerardo Litvak, Alfredo Gurkel, Fabiana Capriotti, Manuel Vallejos y Cecilia Gutterman. Actualmente desarrolla una búsqueda teórica y práctica, iniciada en la Tesina de Graduación de la UNA, que reúne la danza, la composición coreográfica, la dramaturgia y la actuación. El campo de investigación es el Dramaturgismo y la Dramaturgia de escena. Trabaja como actriz y coreógrafa, y como dicta clases en dos instituciones.

Lorca eterno - Escenas de amor y pasión

La casa de Bernarda Alba

Yerma

(Buenos Aires)

Lorca eterno, Escenas de amor y pasión reúne en el escenario tres obras de Federico
García Lorca en aproximadamente una hora en un mismo espectáculo: La casa de
Bernarda Alba, Yerma y Bodas de sangre.

Bodas de sangre

La casa de Bernarda Alba

La casa de Bernarda Alba

La casa de Bernarda Alba es un drama protagonizado por mujeres. Bernarda ha quedado
viuda por segunda vez y dispone ocho años de riguroso luto para sus hijas y ella. Viven
en la casa, además dos criadas. La hija del primer matrimonio de Bernarda, Angustias,
ha heredado de su padre una considerable fortuna, y es requerida por Pepe el Romano,
para casarse. Al mismo tiempo, Pepe el Romano, tiene amores con Adela, otra de las
hijas de Bernarda, en total son cinco. Por otro lado, Martirio, una de las hermanas
siente envidia por Angustias y celos por Adela. El desenlace ocurre cuando Bernarda
descubre la situación y disparara contra  Pepe el Romano. Adela cree
entonces que él ha muerto y se mata. Bernarda entonces decide que nada de esto debe
saberse fuera de la casa, y ordena silencio, guardar las apariencias, como al principio.
El ambiente es un pueblo que no tiene ríos pero sí pozos de agua envenenada. El clima
de la obra es permanentemente opresivo, por las rígidas costumbres, la moral, y el temor
a las habladurías.

Yerma

Yerma

Yerma es el drama de una mujer casada que alimenta el deseo de tener hijos como
las demás mujeres casadas de su alrededor, pero no los tiene. Al marido, Juan no le
interesa tener hijos, y ella está desesperada, frustrada en su anhelo.
Otro de los personajes es Víctor, amigo de la infancia de Yerma, con el que ella
siente que podría tener hijos pero no se decide a dejar al marido.

Yerma

Yerma habla entonces con otra mujer mayor , una amiga, que tiene muchos hijos y 
le pide consejo. Esta le dice que deje al marido y se busque otro hombre. Pero Yerma no
quiere, se siente vacía pero llena de odio, y en un arrebato mata a Juan.
El ambiente en que transcurre la obra es rural.

Bodas de sangre

Bodas de sangre

Bodas de sangre

El novio ha elegido una mujer con quien casarse y se la presenta a la madre quien
bendice la unión. La madre, en principio, no quiere ir con ellos ya que no quiere
dejar a sus muertos, el marido y el otro hijo. Ya se han producido hechos de sangre
en el lugar, donde se vengan las ofensas con las armas.

Bodas de sangre

Recién casada, la novia escapa  con un amante, Leonardo, quien a su vez ha dejado a la mujer y al hijo.  El desenlace producirá nuevos hechos de sangre, en un lugar que parece estar
predestinado para eso.  El ambiente es un pueblo en una zona rural con rígidas costumbres.

En las tres obras se destaca el desempeño de todos los actores. Son notables las intepretaciones
del personaje de Bernarda - La casa de Bernarda Alba -, de la protagonista de Yerma, y
de la madre en Bodas de sangre.
En el primer caso es una madre poderosa, rígida y autoritaria. En el segundo, Yerma, es una
madre frustrada, ya que es sólo una mujer llena de odio según ella misma se juzga y que no
ha sido madre,  y en  el tercero, la madre es una mujer protectora del hijo y apegada a la tierra.
El vestuario, las luces y la música van dando cuenta de los cambios y el clima en el escenario,
ya que no hay ninguna escenografía. Esto logra destacar el trabajo de los actores y la excelente
puesta que homenajea al  poeta español Federico García Lorca.




Sábados a las 21
Teatro Premier, Avenida Corrientes 1565 - Ciudad Autónoma de Buenos Aires

FICHA TÉCNICA/ARTÍSTICA

ELENCO: ANA MARÍA MARTELO – BRENDA RASO – MACA FERNÁNDEZ – MANUELA BAS – ADRIANA MIRIS – AGUSTINA GONZÁLEZ GODOY – MAX ACUÑA – RENATA LIZZI – JUAN MANUEL GILI – EDGARDO VÁZQUEZ – MARTA BOSCH – ALEJANDRO CUESTA
AUTOR: FEDERICO GARCÍA LORCA
ADAPTACIÓN: ALEJANDRO CUESTA
DIRECCIÓN: ALEJANDRO CUESTA
ASISTENTE DE DIRECCIÓN: JONATAN GUILLERMO
VESTUARIO: ALBERT LYNCH
FOTOGRAFÍA: MARIEL ORTIGUEIRA FOTOGRAFÍA
DISEÑO GRÁFICO: 3BOXES
PRENSA Y DIFUSIÓN: CLUB TEATRO.
PRODUCCIÓN: MAXIMILIANO PEZZONI
COORDINACIÓN DE PRODUCCIÓN: ANTONELLA DEL MAURO
PRODUCCIÓN EJECUTIVA: FABIÁN DE CUNTO
PRODUCCIÓN GENERAL: DE CUNTO PRODUCCIONES.

reservas por

https://www.facebook.com/Lorca-Eterno-562194210882503/
https://www.facebook.com/clubteatrodescuentos/

Letra de un poeta quilmeño en música del folklore canario. “Acerina y Tanausú”.

Los Benahore

Fernando Felipe Martel

pasacalles con el anuncio de Los Benhaore

Jorge Padula Perkins

(Buenos Aires)

Se trata de una pieza musical compuesta por el músico palmero Fernando Felipe Martel en una combinación de Aires de Lima, con letra del poeta y autor de letras de canciones quilmeño Jorge Padula Perkins. Interpretada en versión original por “Los Benahoare”.
Fue presentada en sociedad en el marco del espectáculo “Poemas de nuestra tierra”, junto con otras obras que remiten a la isla canaria de La Palma. El mismo tuvo lugar en esa tierra, en la Plaza San Francisco de Santa Cruz de La Palma, el 13 de octubre de 2018 a partir de la hora 21. Contó con la organización de la  Consejería de Cultura del Cabildo de La Palma y con el auspicio de tres empresas privadas (Sonoarte Pro, Pley Publicidad, Havana Club).
Una poesía inspirada en la gente originaria de La Palma.
Existieron pobladores en las Islas Canarias antes de que el expansionismo del por entonces reino de Castilla se adueñara del lugar y que en La Palma, el rey Tanausú era, para 1493, el último líder de resistencia a los conquistadores. Víctima de una trampa de aspecto conciliador, fue capturado y se dejó morir mientras era prisionero, mientras que su pareja, la princesa Acerina, cuyo amor había ganado en combate con otro líder llamado Mayantigo (Pedazo de Cielo), optó por el mismo camino que su esposo.
A partir de esa historia y en homenaje a aquella resistencia honrosa, Padula Perkins escribió “Acerina y Tanausú”, una poesía sin pretensiones épicas y con profundo acento en lo humano y social.
Los versos se transforman en canción.
En la actualidad y tras haber tomado contacto con el reconocido músico y compositor de aquella isla, Fernando Felipe Martel, éste hizo de aquellos versos una bella pieza musical que lleva el mismo nombre y ha sido recientemente estrenada por la agrupación musical folklórica “Los Benahoare” (que el mismo dirige).
La música se basa en los  Aires de Lima propios de la isla de La Palma, combinados con Aires de Lima de Ingenio (municipio de la vecina isla de Gran Canaria).
Los Aires de Lima son uno de los ritmos folklóricos propios de la isla de La Palma y otras el archipiélago canario, enraizados en los cantos campesinos que incluyen dos voces y coplas repetidas por el coro.
El compositor.
Nacido en Santa Cruz de La Palma en 1970, Fernando Felipe Martel estudió piano y música de cámara en el Conservatorio Superior de Música de Santa Cruz de Tenerife y posee una amplísima trayectoria en su isla natal como docente, director e intérprete.
Ha participado en diversos recitales acompañando numerosos cantantes, algunos de ellos de fama internacional. Entre otras cosas, se ha desempeñado como profesor en la Academia de la Banda de Música de Breña Baja, como director de la agrupación Voces Amigas y coordinador del Encuentro Insular de Coros de La Palma. Es director artístico y musical de “Los Benahoare”.
Los Benahoare.
“Los Benahoare” es un grupo folklórico musical integrado por músicos de la isla canaria de La Palma, bajo la dirección de Fernando Felipe Martel.
El mismo pretende recuperar y patentizar la tradición cultural y folkórica a través de las antiguas armonías de la isla bonita y la creación de piezas musicales contemporáneas alineadas en ese espíritu de historia y tradición.
Se trata de una agrupación histórica que volvió al escenario veinte años después de la muerte de Felipe Vargas (1934-1995), quien fuera la voz y el promotor de “Los Benahoare” de antaño.
El nuevo formato de “Los Benahoare”, con otra constitución pero afianzado en la cultura y la tradición canarias, se presentó en sociedad en enero del 2015.
“Poemas de nuestra tierra”
El espectáculo consistió en 13 canciones. Seis de ellas conocidas y de autores ya desaparecidos. Las siete restantes de poetas contemporáneos, con música de Fernando Felipe Martel, a excepción de una pieza compuesta por Fran Medina.
Los vates contemporáneos cuyos versos han formado parte del repertorio son Antonio González Santamaría, Fernando Garciarramos, Ezequiel Perdigón, Ramón Araújo Fernández, Antonio Arroyo Silva, Adolfo Martel Henríquez, Francisco Medina, Elsa López,  Julio Marante y el argentino Jorge Padula Perkins.
El espectáculo en Youtube (inicia de manera orientativa en esta pieza, con la presentación a cargo de su autor): https://www.youtube.com/watch?v=AZYmaajc1Zw&feature=youtu.be&t=2683

“Acerina y Tanausú”.
Letra: Jorge Padula Perkins – Música: Fernando Felipe Martel.
Se escuchó su voz,
dicen algunos.
-¡Vacaguaré!-, grito el mencey,
prefiriendo morir a ser cautivo.
Y se negó a comer
para llegar más pronto
a su destino.

Sería el último rey
de aquella isla, de Aceró,
en La Palma canaria sacudida
por la fuerza imperial
de aquellas huestes
de la Castilla dominante
y expansiva.

Y la mujer cuyo amor
le había ganado
a un pedazo de cielo, Mayantigo,
con el mismo grito,
desafiando suerte,
eligió también la muerte
por camino.

Y echose a la tumba
estando viva,
arropada con pieles, Acerina,
la de los ojos negros,
la de palmera sangre,
que encuevada hacia la muerte
honró la vida.

Y murió Tanausú,
murió Acerina
feneció la libertad en esos días
pero aquel “vacaguaré”
-¡quiero morir!- , la muerte digna,
impregnó el alma toda
de la isla…

Él murió de honor,
maldiciendo a la traición
por su ignominia.
Ella ofrendó al amor
el tributo pleno de la vida;
y trocaron en leyenda del dolor,
la virtud y la injusticia.

Un cuerpo salvaje en el Espacio Callejón

(Buenos Aires)

Se estrenó en el Espacio Callejón Un cuerpo salvaje, con dramaturgia y dirección
de Silvia Gómez Giusto.
Una familia con cuatro hijos adolescentes pasa el verano en la casa de campo.
Los acompaña un capataz de estancia y una indígena - personaje que se funda en un hecho
verídico  del Museo de Ciencias Naturales de la Plata, donde familias indígenas estuvieron
cautivas allí para su estudio bajo el nombre de la ciencia -.
La llegada de dos antropólogos europeos con el propósito oculto de negociar la producción de
una bebida prohibida,  la absentha,  con Belisario, el padre de la familia, hace que se descubran
algunos secretos, como la orientación sexual de uno de los hijos.
La irrupción de los antropólogos en el escenario familiar más el proyecto de fabricar Absentha,
bebida prohibida y que funciona como metáfora de todo lo prohibido, es el disparador que rompe con
la censura impuesta durante generaciones y generaciones, con el secretismo y produce la liberación
de algunos de  los personajes.
En la puesta se logra un buen trabajo de conjunto de los actores.


Dramaturgia y dirección: Silvia Gómez Giusto.
Elenco: Virginia Kaufmann, Rafael Solano, Silvina Katz,
Lucía Villanueva, Matías Broglia, Mauro Alvarez, Laura Grandinetti, Jazmín Falak, Manuel Melgar, Flora Riviére.
prensa: Duche-Zárate

Funciones: Viernes a las 20.30.
Espacio Callejón / Humahuaca 3759- C.A.B.A

Se estrenó en el Teatro IFT la obra Yvonne Princesa de Borgoña de Witold Gombrowicz

(Buenos Aires)
Se estrenó en el Teatro IFT la obra del escritor polaco Witold Gombrowicz Yvonne princesa de Borgoña.
Esta obra provocó un verdadero escándalo cuando se estrenó en París por el entonces joven director
argentino Jorge Lavelli en el Théatre de France, en 1965, como ya lo había provocado también en 1964 estrenada también por Lavelli con  El matrimonio, estrenada en el Théatre Récamier.
Es que el escritor polaco que vivió 23 años en la Argentina había vuelto a Europa y antes de instalarse en Berlín, invitado por la Fundación Ford por una estancia de un año, se quedó en París y emprendió la conquista de esa ciudad declarándose antiparisino y lanzando un desafío: " Si voy allí, es en efecto para conquistar (...) en París, tendré que ser el enemigo de París".
También fueron  estrenadas en el Teatro Real de Estocolmo en 1965 y 1966 las obras El matrimonio e Yvonne por Alf Sjöber.
Yvonne princesa de Borgoña es una parodia: una corte integrada por el rey, la reina, el príncipe, condes y otros personajes donde el joven príncipe decide imprevistamente y en broma casarse con una chica sin ningún atractivo ni gracia.
En la puesta de Leo Di Nápoli, el personaje de Yvonne tiene características de un ser marginal, que puede ser cualquiera que la sociedad y el poder margine y vitupere: es el débil, el pobre, el viejo, una mujer común y sin rostro.
Felipe, el heredero del reino, una vez presentada su prometida no sabe cómo salir del embrollo y
los miembros de la corte empiezan a tejer estratagemas para matar a  Yvonne. Los personajes, con una  estética punk quedan  envueltos en una trama grotesca y absurda.
En Yvonne, princesa de Borgoña, se subvierte la autoridad parental y el orden establecido. Perece el protocolo, la reina es desenmascarada, el rey aparece en toda su candidez superficial. El príncipe heredero participa del asesinato colectivo y sucumbe, en la escena final. al rito convencional bajo la presión de su familia.
Se destaca un muy buen trabajo de los actores y del director que pone en escena esta obra delirante
de Witold Gombrowicz.


trailer:

https://www.youtube.com/watch?time_continue=10&v=Dy7CtwQ-VeI

FICHA TÉCNICA 

Elenco: Fidel Araujo, Anne Castillón, Ignacio Castro, Paula Fernández Dossi, Diego Jacuzzi, María Llorens, Florencia Recio, Lucía Gómez Uriz y Leo Di Nápoli.

Autor: Witold Gombrowicz

Dirección: Leo Di Nápoli

Prólogo en off: Norma Aleandro

Acerca de Leo Di Nápoli

Ha realizado la carrera de Dirección Teatral en el C.O.S.A.T.y.C (Andamio´90), Colegio Superior de Artes del Teatro y la Comunicación. Fundado por Alejandra Boero.

Entre sus principales maestros se encuentran Guillermo Angelelli, (entrenamiento corporal y vocal), Iben Nagel Rasmussen (Odin Teatret), Pompeyo Audivert, Yamil Ostrovsky, Giovanni Balzaretti y Andrea Cavarra, (Commedia dell´Arte, del teatro Agricolo, Italia); Paula Ransenberg, Tony Lestingi, Iván Moschner, Ricardo Sassone, José Caceres, Nicoletta Oscuro (Italia), y Gustavo Di Leo, entre otros. Ha realizado estudios complementarios en disciplinas tales como Técnicas del Teatro Oriental y Máscara Balinesa, Realización de Máscaras en Cuero, con Alfredo Iriarte, Teatro de Sombras, con Gabriel Von Fernandez, Circo Criollo,  y Producción Teatral, con Gustavo Schraier. Sus últimas obras como director fueron “Yvonne, princesa de Borgoña” de Witold Gombrowicz (2016-17), y “Noches Blancas, un cuento de Fedor Dostoievski (2014). “300 Millones”, de Roberto Arlt (2010) “Arlequino, Servidor de dos patrones”, de Carlo Goldoni (2008-09) Como actor ha participado en obras tales como “Fando y Lis”, de Fernando Arrabal (2013), “Sueño de una noche de verano”, de William Shakespeare, “El Clú”, de Oscar Tavernise, “Saverio el Cruel”, de Roberto Arlt, “La vida es sueño”, de Calderón de la Barca, entre otras. En el área docente ha dictado clases de Commedia dell´Arte, en la Asoc. Dante Alighieri, y actualmente dicta un curso regular de Teatro Fìsico, con Entrenamiento Corporal y Vocal, en el Teatro Quirón, destinado a actores, bailarines y artistas de la escena.



 Asistente de Dirección: Mariel Méndez

Escenografía: Sabrina López Hovhannessian

Música original y chelo: Carlos Veliz

Trombonista: Cristian Veliz

Máscara de Yvonne: Vanesa Bruni

Audiovisuales: Mariel Méndez

Fotografía: Hernán Iermano

Diseño Gráfico: Germán Sigler

Producción ejecutiva: Leo Di Nápoli



Sobre el autor

"La forma que deforma" Witold Gombrowicz, autor polaco que llega a la Argentina tres días antes de la ocupación nazi en Polonia (1939) y del estallido de la segunda guerra mundial. Devenido de una nobleza acomodada a una pobreza casi extrema, vivió en nuestro país los 25 años posteriores a su desembarco.
RechazÓ a la elite literaria de la época y se juntó con un grupo de jóvenes escritores con los cuales recorrió algunos de los míticos cafés de la ciudad de Buenos Aires, entre ellos la confitería “Rex”. En Argentina ha escrito sus textos fundamentales, "Transatlántico", “Pornografía” y "Cosmos", y se tomó la enorme labor de traducir "Ferdydurke" al español, junto a una comitiva de escritores y bohemios creada para tal fin, que cuenta con un prefacio de Ernesto Sabato. El mismo que al escribir su primera obra teatral, sin casi haber visto teatro, se burla de la cultura francesa apelando a la estructura del teatro Isabelino, este es el autor de "Yvonne, Princesa de Borgoña".

Teatro IFT (Boulogne Sur Mer 549. C.A.B.A.)

Funciones: viernes a las 21

Reservas al 4962-9420


bibliografía: Witold Gombrowicz, Testamento, Conversaciones con Dominique de Roux, Editorial
Anagrama

La fiesta del viejo en el Espacio Callejón

Fernando Ferrer 

(Buenos Aires)

Una de las tragedias de William Shakespeare, Rey Lear  reescrita por Fernando Ferrer
se traslada a Buenos Aires. Lear, dueño de un club barrial   reparte sus bienes  durante su
fiesta de cumpleaños.
Los espectadores son convidados al entrar con algo para comer y beber, como participantes
de la fiesta.  A pesar del cambio de época, las pasiones y los defectos de los personajes
no han cambiado, la avidez, la codicia, de dos de sus herederas y también el deterioro
de Lear están presentes.
Lear, dueño de un club barrial antagonista de otro club vive esa rivalidad como una
afrenta cuando Cordelia, una de sus hijas, aparece con un novio hijo del dueño del
otro club.
Lear quiere repartir el club entre otros bienes y permanecer en él, aferrado al pasado,
pero sus  herederas y sus maridos salvo Cordelia, que no ha heredado nada, tienen otros planes.
Fernando Ferrer logra poner en escena un clásico y lo adapta a la actualidad sin perder
lo esencial con muy buenas actuaciones de todo el elenco.

Distinciones


La obra fue seleccionada para participar del Festival Internacional Shakespeare 2017, seleccionada para el XXVI Congreso Internacional de Teatro Iberoamericano y Argentino GETEA / FILO: UBA / PACE UNIVERSITY NYC USA

Trabajo destacado por premios Teatro del Mundo por Adaptación Teatral 2017

Julio 2018 Gira Europea (ESPAÑA Y POLONIA)

Septiembre 2018 Gira Latinoamericana

Mención especial INT por la dramaturgia y la dirección


Actuaciones:

Moyra Agrelo, Agustina Benedettelli, Julieta Cayetina, Helkjær Engen, Demián Gallitelli, Ezequiel Gelbaum, Clarisa Hernandez, Gonzalo Ruiz, Julian Smud, Ezequiel Tronconi, Abian Vainstein



Asistente de Producción: Male Devoto

Producción: Julián Smud Clarisa Hernandez Ezequiel Gelbaum Laura Quevedo Fernando Ferrer

Fx: Guillermo Toledo

Diseño Gráfico: Juan Francisco Reato

Foto: Romina Giorno

Prensa: Duche&Zárate

Música Original e Interpretación: Stine Helkjær Engen

Vestuario: Peta Moreno Marina Claypole

Diseño de Luces: Sebastián Francia

Espacio y Arte: Romina Giorno

Asistente de Dirección: Marisol Scagni



Representante Internacional: Débora Staiff

Dramaturgia y Dirección: Fernando Ferrer
unciones: Domingos 12:00hs. (del mediodía)



Reservas: 4862-1167 o Alternativa Teatral

Espacio Callejón - Humahuaca 3759 - CABA



Prensa Duche&Zárate

Walter Duche – Alejandro Zarate


Fernando Ferrer

Se formó en la Escuela Nacional de Arte Dramático y con Maestros como Diego Cazabat, Andrea Ojeda, Eugenio Barba y Javier Daulte.

Entre sus últimos trabajos encontramos el estreno en 2013 de “La piedad y los animales“ en El camarín de las musas. En 2014 estrenó “Ranas“ en Espacio Polonia Y “La intención de las palomas“ en el Espacio Callejón y posteriormente en 2015 fue estrenada en Nueva York en el Off Broadway.

Actualmente realiza la 3ra. temporada de “La Fiesta del Viejo“ en Espacio Callejón y en gira por todo el país, Europa y Latinoamérica y “Garra y Esplendor“ en el Camarín de las Musas.

La fiesta del viejo regresa al Espacio Callejón

Fernando Ferrer 

(Buenos Aires)

Luego de la exitosa gira por España y Polonia regresa al Espacio Callejón La fiesta del viejo (A partir de Rey Lear de William Shakespeare), de Fernando Ferrer.
Desde el domingo 9 de septiembre y todos los domingos a las 12 del mediodía.
La obra fue seleccionada para participar del Festival Internacional Shakespeare 2017, seleccionada para el XXVI Congreso Internacional de Teatro Iberoamericano y Argentino GETEA / FILO: UBA / PACE UNIVERSITY NYC USA

Trabajo destacado por premios Teatro del Mundo por Adaptación Teatral 2017

Julio 2018 Gira Europea (ESPAÑA Y POLONIA)

Septiembre 2018 Gira Latinoamericana

Mención especial INT por la dramaturgia y la dirección



El Viejo cumple años y decidió festejarlo con todo.

¿Qué mejor que hacerlo en su club del barrio, con los amigos y el amor de toda la familia?

En el brindis va a hacer grandes anuncios que tienen que ver con el adelanto de la herencia a sus hijas, está ansioso por sorprenderlas, por demostrarles su cariño y por ver como reaccionan ante tanto amor.
El Viejo cumple años y están todos invitados a festejarlo con él.

Actuaciones:

Moyra Agrelo, Agustina Benedettelli, Julieta Cayetina, Helkjær Engen, Demián Gallitelli, Ezequiel Gelbaum, Clarisa Hernandez, Gonzalo Ruiz, Julian Smud, Ezequiel Tronconi, Abian Vainstein



Asistente de Producción: Male Devoto

Producción: Julián Smud Clarisa Hernandez Ezequiel Gelbaum Laura Quevedo Fernando Ferrer

Fx: Guillermo Toledo

Diseño Gráfico: Juan Francisco Reato

Foto: Romina Giorno

Prensa: Duche&Zárate

Música Original e Interpretación: Stine Helkjær Engen

Vestuario: Peta Moreno Marina Claypole

Diseño de Luces: Sebastián Francia

Espacio y Arte: Romina Giorno

Asistente de Dirección: Marisol Scagni



Representante Internacional: Débora Staiff

Dramaturgia y Dirección: Fernando Ferrer
unciones: Domingos 12:00hs. (del mediodía)



Reservas: 4862-1167 o Alternativa Teatral

Espacio Callejón - Humahuaca 3759 - CABA



Prensa Duche&Zárate

Walter Duche – Alejandro Zarate


Fernando Ferrer

Se formó en la Escuela Nacional de Arte Dramático y con Maestros como Diego Cazabat, Andrea Ojeda, Eugenio Barba y Javier Daulte.

Entre sus últimos trabajos encontramos el estreno en 2013 de “La piedad y los animales“ en El camarín de las musas. En 2014 estrenó “Ranas“ en Espacio Polonia Y “La intención de las palomas“ en el Espacio Callejón y posteriormente en 2015 fue estrenada en Nueva York en el Off Broadway.

Actualmente realiza la 3ra. temporada de “La Fiesta del Viejo“ en Espacio Callejón y en gira por todo el país, Europa y Latinoamérica y “Garra y Esplendor“ en el Camarín de las Musas.

Se estrena hoy Yvonne Princesa de Borgoña, de Witold Gombrowicz

(Buenos Aires)

Se estrena hoy en el teatro IFT la obra Yvonne Princesa de Borgoña, de Witold Gombrowicz.

El Príncipe Felipe, heredero del trono de Borgoña, en uno de sus paseos dominicales por los alrededores del palacio, descubre a una chica pagana desprovista de todo encanto y decide, a modo de chiste, casarse con ella desafiando el orden establecido en el reino. Esto inquieta a la corte, dada la inaceptable condición de estas nupcias, pero Felipe no resiste llevar la broma adelante y enloquece, mientras todos comienzan a trazar estratagemas para matar a Yvonne. El orden imperante se trastoca, y se transforma progresivamente en una pesadilla onírica y surrealista, que devela hacia el final de la obra el absurdo que teje la farsa.

 Tráiler: https://youtu.be/Dy7CtwQ-VeI

FICHA TÉCNICA   

Elenco: Fidel Araujo, Anne Castillón, Ignacio Castro, Paula Fernández Dossi, Diego Jacuzzi, María Llorens, Florencia Recio, Lucía Gómez Uriz y Leo Di Nápoli.

Autor: Witold Gombrowicz

Dirección: Leo Di Nápoli

Prólogo en off: Norma Aleandro

Acerca de Leo Di Nápoli

Ha realizado la carrera de Dirección Teatral en el C.O.S.A.T.y.C (Andamio´90), Colegio Superior de Artes del Teatro y la Comunicación. Fundado por Alejandra Boero.

Entre sus principales maestros se encuentran Guillermo Angelelli, (entrenamiento corporal y vocal), Iben Nagel Rasmussen (Odin Teatret), Pompeyo Audivert, Yamil Ostrovsky, Giovanni Balzaretti y Andrea Cavarra, (Commedia dell´Arte, del teatro Agricolo, Italia); Paula Ransenberg, Tony Lestingi, Iván Moschner, Ricardo Sassone, José Caceres, Nicoletta Oscuro (Italia), y Gustavo Di Leo, entre otros. Ha realizado estudios complementarios en disciplinas tales como Técnicas del Teatro Oriental y Máscara Balinesa, Realización de Máscaras en Cuero, con Alfredo Iriarte, Teatro de Sombras, con Gabriel Von Fernandez, Circo Criollo,  y Producción Teatral, con Gustavo Schraier. Sus últimas obras como director fueron “Yvonne, princesa de Borgoña” de Witold Gombrowicz (2016-17), y “Noches Blancas, un cuento de Fedor Dostoievski (2014). “300 Millones”, de Roberto Arlt (2010) “Arlequino, Servidor de dos patrones”, de Carlo Goldoni (2008-09) Como actor ha participado en obras tales como “Fando y Lis”, de Fernando Arrabal (2013), “Sueño de una noche de verano”, de William Shakespeare, “El Clú”, de Oscar Tavernise, “Saverio el Cruel”, de Roberto Arlt, “La vida es sueño”, de Calderón de la Barca, entre otras. En el área docente ha dictado clases de Commedia dell´Arte, en la Asoc. Dante Alighieri, y actualmente dicta un curso regular de Teatro Fìsico, con Entrenamiento Corporal y Vocal, en el Teatro Quirón, destinado a actores, bailarines y artistas de la escena.



 Asistente de Dirección: Mariel Méndez

Escenografía: Sabrina López Hovhannessian

Música original y chelo: Carlos Veliz

Trombonista: Cristian Veliz

Máscara de Yvonne: Vanesa Bruni

Audiovisuales: Mariel Méndez

Fotografía: Hernán Iermano

Diseño Gráfico: Germán Sigler

Producción ejecutiva: Leo Di Nápoli



Sobre el autor

"La forma que deforma" Witold Gombrowicz, autor polaco que llega a la Argentina tres días antes de la ocupación nazi en Polonia (1939) y del estallido de la segunda guerra mundial. Devenido de una nobleza acomodada a una pobreza casi extrema, vivió en nuestro país los 25 años posteriores a su desembarco.
Rechazo a la elite literaria de la época y se juntó con un grupo de jóvenes escritores con los cuales recorrió algunos de los míticos cafés de la ciudad de Buenos Aires, entre ellos la confitería “Rex”. En Argentina ha escrito sus textos fundamentales, "Transatlántico", “Pornografía” y "Cosmos", y se tomó la enorme labor de traducir "Ferdydurke" al español, junto a una comitiva de escritores y bohemios creada para tal fin, que cuenta con un prefacio de Ernesto Sabato. El mismo que al escribir su primera obra teatral, sin casi haber visto teatro, se burla de la cultura francesa apelando a la estructura del teatro Isabelino, este es el autor de "Yvonne, Princesa de Borgoña".

Teatro IFT (Boulogne Sur Mer 460)

Funciones: viernes a las 21

Reservas al 4962-9420

El encuentro de Guayaquil, de Pacho O´Donnell sube a escena en el Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha

(Buenos Aires)

Este sábado 8 de septiembre a las 21 en la ciudad de La Plata  sube a escena "El Encuentro de Guayaquil", obra ganadora del Concurso de la Comedia Municipal 2018. La cita es en la sala B, 2° piso  del Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha, calle 50 entre 6 y 7  y las entradas, de carácter gratuito, se retiran en  boletería de martes a domingos de 17:30 a 22

Con las actuaciones de Diego Aroza y Luciano Guglielmino, bajo la dirección de Marcelo Demarchi, “El encuentro de Guayaquil” cuenta la reunión entre José de San Martín y Simón Bolívar,  dos pensadores y estrategas en la construcción de una patria grande.

“Cuando empezamos a trabajar el texto de Pacho O’Donnell, lo primero que comprendimos es que se trataba de un encuentro entre pares. San Martín y Bolívar fueron dos exponentes de esa gran campaña independentista que se juntaron a charlar de igual a igual”, contó a los medios Diego Aroza sobre el encuentro que los dos libertadores tuvieron el 26 de julio de 1822. “Esas horas en Guayaquil fue la única vez que se encontraron. Hasta allí llegó un Bolívar en alza, eje de la independencia en ese momento y un San Martin denostado, muy golpeado políticamente y muy bastardeado, que llegó a pedir ayuda para cuidar el Alto Perú”.

La obra se centra en los dos hombres, afrontando la responsabilidad de sus acciones, con las dudas existenciales de cualquier ser humano y con las exigencias del rol que ambos han construido para sus pueblos.

En esta obra, Pacho O´Donnell, intenta develar el detrás de escena de una de las reuniones más secretas y misteriosas de la historia, interpretando las especulaciones que se han hecho sobre el mismo y sobre todo a través de las cartas que ambos se enviaron. 

Diego Aroza, fue distinguido como mejor actor protagónico en el Concurso de la Comedia Municipal 2018, por su interpretación de Simón Bolívar.

La vida contemporánea en la 5ta. edición de Mirada - Festival Iberoamericano de las Artes Escénicas

(Buenos Aires)

Entre el 5 y 15 de septiembre 2018, se realizará  la quinta edición de  Mirada - Festival Iberoamericano de las Artes escénicas, que cubre la ciudad de Santos, Brasil  y se extiende por ocho ciudades. El espectador puede seleccionar un programa de más de 40 espectáculos nacionales e internacionales, así como actividades de formación y reflexión enfocada. Colombia es el país homenajeado en este tema, presentando nueve espectáculos. que serán puestos en  escena por primera vez en Brasil. A través de la danza, el teatro y la cultura popular; de narrativas biográficas, lenguaje documental o propuestas interdisciplinares, las piezas hablan de temas de actualidad, como la situación de los refugiados en el mundo, la condición de la mujer en sus diferencias y complejidades, el cuestionamiento de las narrativas históricas y el racismo estructural en América Latina. De este modo, el festival invita al público a relacionarse con otras visiones del mundo y las experiencias culturales, el establecimiento de un diálogo que conduzca a un pensamiento crítico sobre temas de la vida contemporánea.

http://www.sescsp.org.br/

Paises participantes en Mirada/2018: Argentina, Bolívia, Brasil, Chile, Colombia, Ecuador, España, México, Nicaragua, Paraguay, Perú, Portugal y Uruguay. Argentina estará participando con “El Ritmo (Prueba 5) de la Compañia Buenos Aires Escénica”, Matías Feldman y “Topologías para Cuerpos Infinita-Mente Inconquistables”, Edgardo Mercado.

Espectáculo del director brasileño, Antunes Filho y del autor Jean-Luc Lagarce, “Yo estaba en mi casa y esperaba que la lluvia llegasse”, el grupo CPT- Centro de Pesquisa Teatral – Sesc - SP

El ritmo, "Prueba 5, de la Compañía Buenos Aires Escénica 

Tita y Nené - Bombones para un entierro

(Buenos Aires)

En función de prensa vi este mediodía la obra de Alberto Cattan, Tita y Nené Bombones para un entierro.
Dos hermanas, Tita y Nené vuelven del entierro de madre a la casa familiar en Parque Patricios. La acción transcurre en junio de 1955, en el clima político de un inminente golpe de estado. Entre recuerdos familiares las hermanas, discuten.
Una de ellas, Tita,  jorobada y motivo de vergüenza para la madre que la escondía para que no la vieran por el barrio, y la otra, Nené, agraciada físicamente ha tenido la posibilidad de estudiar.

Tita cose en la máquina de coser que Evita repartió a las mujeres para que pudieran trabajar en sus casas y tuvieran un oficio que las volviera independientes económicamente y defiende a  Perón y a Eva, identificándose con el pueblo.
Nené, intelectual, lee a Gramsci y prefiere a  Alicia Moreau de Justo. A partir de la muerte de la
madre, las hermanas quedan solas con la única compañía de un hombre inmigrante  al que le
alquilan una habitación, pero enseguida Nené quiere vender la casa e irse de ahí, a empezar una nueva vida. Aspira a moverse en un mundo de intelectuales y bohemios y frecuentar el café Tortoni.
Tita, que vive con los recuerdos familiares se opone a vender la casa construida por su abuelo inmigrante  y en un ambiente sacudido
ya por los bombardeos en Plaza de Mayo para derrocar al General Perón, el drama se precipita hacia una salida trágica.
Tanto Paula Rubinztein como Graciela Baduan y Marcelo Bello se destacan en las excelentes
interpretaciones de una obra emparentada con el grotesco.
Según palabras del director y autor de la obra:
¿Qué es el grotesco teatral? ¿Son personajes tristes que hacen reír? ¿O marionetas patéticas que hacen  llorar? Desde Carlos Mauricio Pacheco, injustamente degradado por “sainetero”, con su Don Julio de  “Los disfrazados”, pasando por Miguel de Mateo de Armando Discépolo, hasta la Nona de Roberto   Cossa, el llamado grotesco nos habita y reconstruye un universo triste y risible a la vez. En tiempos de  verdades perdidas u ocultas, nuevamente quiere emerger en esta “Tita y Nené” que intenta sobrevolar  tiempos idos y perdidos en los pliegues del recuerdo. No nos propusimos resignificar ni género ni estilos,  estos frágiles personajes emergieron desde nuestra infancia, montados sobre las fracturas del presente.
Vaciados de sentido trajinan la realidad de un mundo del cual difícilmente puedan huir.
Impensadamente estos personajes traen a la escena una variada y a veces imposible secuencia: la muerte,  la belleza, la  fealdad, el engaño, la soledad, la historia, la familia y la política. No hay en “Tita y Nené” héroes.
No hay épica sino subjetividad. El yo entrampado en el tejido cultural de una época, de una clase social, de una  historia fatal.
“Buenos Aires patria del mundo”… cantaba amorosamente Nicolás Olivari ante el cataclismo imposible de la inmigración,  ese río que aún no aquietó sus aguas ni definió su caudal. En ese torrente de pobreza, soledad y miseria navegan  nuestros personajes. Heridos de ausencias, de amor y vacío. Quieren ser lo que desconocen y ansían, detrás de  ellos la sombra amenazante del  autoritarismo se cierne sobre sus vidas y determinará sus destinos.
Amorosamente nos acercamos a este mundo de los 50, descubrimos constantes que aún perviven, algunas como
rojos malvones en las macetas de la abuela nos recuerdan la belleza de ser niños y vivir como si nada. Otras nos afligen  por su persistencia de  estigma de imposibilidad. ¿Eso seremos? Ojalá nuestro descubrimiento también sea el de ustedes.

Alberto Cattan



Teatro NoAvestruz (Humboldt 1857, CABA)
Funciones: domingos 20:30
Duración: 60 minutos.



Ficha técnica
Elenco: Graciela Baduán, Paula Rubinsztein y Marcelo Bello
Diseño sonoro: Miguel Ortiz
Escenografía e iluminación: Alejandro Arteta
Diseño de imagen y fotografías: María Labella
Asistente de dirección: Marcelo Risatti
Dramaturgia y Dirección: Alberto Cattan

ALBERTO CATTAN
Se formó en Gestion y Administración Cultural en la Universidad Nacional de San Martin y como actor en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático. Ocupó varios cargos y roles públicos como Director General provincial de la Comedia en Ministerio de Educación y Cultura (1986-87), Director Artístico de la Comedia de la prov. de Buenos Aires (2005-06), Director del diario “Resurgimiento” (2003-2006), Director Ejecutivo de Proteatro, Ministerio de Cultura (2009-2011/2013-2015), Coordinador general del Centro Cultural Resurgimiento (2003-2016) En teatro participó en puestas en escena y obras teatrales como “El juguete rabioso” adaptación de Bernardo Carey de la novela de Roberto Arlt, “Encuentro Casual” de Bernardo Carey, “Cuentos Populares” de Peñarol Mendez, “El hombre de Yelo” de Bernardo Carey, “El viento se los llevó” de R. Cossa y j. Langsner, ”De pies y Manos” de Roberto Cossa, “Jazmín del País” de S.Pujol, “Don Juan Milonga” de B. Carey y L. Borda, “Historia del Sainete Nacional” de autores varios (Vaccarezza, Trejo, etc.) “Es difícil decir adiós” de J. Nuñez, “El diez, entre el cielo y el infierno” de D. Dátola, “Pugliese y Dárienzo” de su autoría y ganadora del premio a la mejor obra en el Festival Internacional de Entre Ríos, “550 gramos cercanos al corazón”  versión de “Una Libra de Carne” de A. Cuzzani, “Lo que mata es la húmedad” de J. Nuñez, “Las de Barranco” de Gregorio de Laferrere, entre otras.

PAULA RUBINSZTEIN
Es directora teatral por la Escuela Metropolitana de Arte Dramático y fundadora del Grupo Integrado de Teatro “El Andador” (creado en el año 1997 y continuando su trayectoria) Obtuvo el premio teatral “Armando Discépolo” del Centro Cultural San Martín a la mejor actuación femenina (1998) Como actriz participó de “Las mujeres sabias” de Moliere con Dir. Barletta, “Sobre las piedras de Jericó” de A. Castillo con Dir. M. Vives, “Cabaret Literario” de Nogués con Dir. Nogués/Gesualdo, “El Gallo Azul” de Roberto Perinelli con Dir. Carlos Catalano, Uno y medio” de S. Heilman y P. Rubinsztein con Dir. A. Mavrakis, “Hércules y el Establo de Augias” de Durrenmatt con Dir. M. Landau, “Manual de Instrucciones para el ultimo porteño” de B.  Cappa con Dir. L. Roffman, “Macbeth, la tragedia” de W. Shakespeare con Dir. Luis Roffman, “Buenas y Santas” Dramaturgia y Dirección  Alberto Fernández, “La casita de mis viejos” de Kartun con Dir. Tadeo Petinari, “Casamentera” de P. Suárez con Dir. M. Laura Laspiur, “Estampas Entreveradas” de Klein, Redondo y Rubinsztein con Dir. Paco Redondo, “La Señora Macbeth” de Gambaro con Dir. Mónica Viñao, entre otros.

GRACIELA BADUAN
Es directora teatral por la Escuela Metropolitana de Arte Dramático y actriz por la Escuela de Teatro de Buenos Aires. Participó en espectáculos como  “Tartufo” de Moliere con dirección Paula Rubinstein en el marco del Ciclo Miríadas (EMAD), “La casa de Bernarda Alba” con dirección propia, “Rouge” sobre textos de Flaubert, Beckett y Shakespeare con dirección de Alberto Cattan, “Las de Barranco” de Gregorio de Laferrere con dirección Alberto Cattan, “Opereta” de Witold Gombrowicz con dirección de Adrián Blanco, “La Huelga” de Jorge Nuñez  con dirección de Ariel Bonomi, “Los gritos que nadie oye” de Humberto Rivas con dirección de  Alberto Cattán, “Polenta con pajaritos” de Roberto Ibañez con dirección  de Alberto Cattan, “Dis Pater” de Luis Cano  con dirección de Francisco Javier, “Encuentro Casual”  Creación colectiva sobre texto de Bernardo Carey, “Comedia del Arte” Creación colectiva con dirección de Paula Estrella, “Jazmín del País” de Susana Poujol con dirección de Alberto Cattan, “Equilibrios” de Roberto Miguez con dirección de Daniel Marcove, entre otros.

Los hermanos Karamazov en el Teatro El Convento

(Buenos Aires)

Se estrenó  la adaptación teatral de la novela de Dostoievski Los hermanos Karamazov en el Teatro El convento. La puesta en escena y la adaptación es de Martín Barreiro, se trata de una puesta muy lograda y también hay un gran trabajo actoral.
Fiódor Dostoievski escribió la novela entre 1879 y 1880,  una compleja trama de pasiones, sentimientos y emociones entre el padre, Fiódor Karamazov y sus hijos: Dimitri, hijo del primer matrimonio, sensual y cruel, pero también capaz de rasgos de bondad y sacrificios; Iván y Aliosha, hijos del segundo matrimonio, con otras personalidades.
Iván es un  intelectual que niega la existencia de Dios y el amor al prójimo; Aliosha, un cristiano místico que opone al nihilismo el amor y la piedad; y luego,  Smerdiakov, el hijo natural de Fiódor, que representa la ausencia de toda moral.
Otros personajes, Catalina (Katerina)  y Grushenka, que también participan con sus pasiones en la trama de relaciones del padre y los hermanos Karamazov.
Si bien la novela transcurre en la Rusia zarista, la adaptación de Martín Barreiro logra poner en primer plano los ángeles y demonios de los personajes  que son atemporales como los temas filosóficos de esta obra.
Fiódor Karamazov, el padre, es un hombre libertino, codicioso y ruin. Enfrentado con su hijo Dimitri por la atractiva Grushenka, se deja llevar por las pasiones. Aliosha e Iván son más racionales pero cada uno está en el extremo opuesto.
Enfrentados Dimitri y su padre Fiódor por la pasión y la rivalidad que despierta entre ellos Grushenka, el primero llega  al extremo de amenazar al padre con matarlo. Sin embargo, quien asesina al padre es el hijo natural, Smerdiakov, quien despreciado por el padre, lo ha convertido en su sirviente.
Todo el drama está atravesado por las ideas de Iván que sostiene que en un mundo sin Dios todo está permitido, y es él quien influye en Smerdiakov.  Aliosha y el monje Zózimo, tienen otras ideas que se contraponen a las de Iván.
Dimitri es culpado y juzgado por el asesinato de su padre.
La adaptación y la puesta en escena de Martín Barreriro escinde la realidad y muestra el mundo
del autor en colisión con el mundo irreal donde predomina el subconsciente de los personajes.
Refleja la precariedad del hombre actual, exponiéndole como campo de batalla entre el bien
y el mal. También, aborda grandes cuestiones filosóficas como la fe, la inmortalidad y los
derechos de los niños con ingenio y compasión.
El teatro El convento es un lugar ideal  para la representación de esta obra, ya que se trata de un convento antiguo  restaurado.


Elenco por orden de aparición: FERNANDO BLANES (Fiódor), IGNACIO GIL (Relator), NINA GIANUZZI (Adelaida- Matrona-Demonios), MIMI FERRARO (Marta-Demonios), YANINA ROSSETTI (Lizabeta- Demonios), LAURA PERILLO (Sofía-Fenia-Demonios), BRUNO CHMELIK (Dimitri), OSCAR SANDOVAL MARTÍNEZ (Zósimo- Kuzma-Juez), JEREMÍAS FERRO (Iván), JONATHAN DI COSTANZO (Aliosha), FABIO VERÓN (Grigori-Oficial-Juez), JAVIER ALTAMIRANDA (Smerdiakov), PAM MORRISON (Catalina) y GRACIELA ROVERO (Grushenka). ESCENOGRAFÍA, VESTUARIO Y DISEÑO DE LUCES: MB-MB ASISTENCIA COREOGRÁFICA Y ENTRENAMIENTO: GRACIELA ROVERO DISEÑO GRÁFICO: AGUSTINA FUENTES CORONA PRENSA: TEHAGOLAPRENSA ADAPTACIÓN, PUESTA EN ESCENA Y DIRECCIÓN GENERAL: MARTÍN BARREIRO

viernes a las 21
TEATRO EL CONVENTO: Reconquista 269, CABA Informes y reservas: 4264-1101 www.teatroelconvento.com.ar